La Superbanda Chicago -25 or 6 to 4-

Un par de éxitos de la superbanda Chicago, allá por los setentas destacan con estos temas que sin duda alguna llevan al rock a una elaboración musical notable. 25 or 6 to 4 y Saturday in the Park, son notables composiciones que distan mucho del rumbo que llevaría la banda en los ochenta con sus baladas empalagosas aunque indudablemente es algo que a muchos les gusta.

La banda más representativa del Jazz Rock. Se fundó en la ciudad de su mismo nombre, en 1967. Inicialmente se denominó Chicago Transit Authority, nombre que debieron recortar por problemas jurídicos con el ayuntamiento de la ciudad. El grupo aún permanece en activo en 2008. El comienzo: 1967-1968 La banda estuvo integrada, inicialmente, por Lee Loughnane (trompeta), James Pankow (trombón), Walter Parazaider (saxos, flauta), Robert Lam (voz, piano, órgano), Terry Kath (guitarra, voz), Peter Cetera (bajo, voz) y Danny Seraphine (batería, percusión). Chicago mantuvo esta formación bastante estable, a lo largo de su historia. El grupo se formó en el invierno de 1967, a partir del núcleo de la banda de Kath, Parazaider y Seraphine, que se llamaba The Missing Links, durante una jam session en la Universidad De Paul, cuando se les unieron en el escenario Pankow y Loughnane. El nuevo grupo se llamó The Big Thing, y se completó poco después con Cetera y Lam. Fue éste quien embarcó a la banda en una gira a Los Angeles, donde, ya bajo el nombre de Chicago Transit Authority, cosecharon un inesperado éxito. Ese mismo año, el productor James William Guercio, decidió tutelarlos y, por ello, renunció a producir el primer disco de BS&T, tal como le había pedido Al Kooper. Sí produjo, sin embargo, el segundo, aunque sólo después de que CBS le hubiese dado luz verde a la grabación del primer álbum de "sus chicos".

Hétor Burke

Héctor Burke es un artista completo. Nacido en Cartago, Costa Rica, hacia 1955. Poeta y pintor, grabador, xilografista, es el representante costarricense más genuino de lo que se dió en llamar brut-art. Sus obras conceptuales en lo que a la plástica se refiere están llenas de color y contrastes cromáticos, sobre la base de una particular prepraración de las telas, con texturas y formas diversas. Su poética, por otro lado es la trasncripción de imágenes reales o irreales, como quien dice más bien, estampas palabreadas, con un colorido emotivo y paisajistico indiscutible, donde se encuentran cosas y personas, animales y paisajes, caminos y encrucijadas. Intenso, simbólico, y breve, Burke es quizá el más auténtico de los poetas costarricenses contemporáneos, nada dado a los exhibicionismos o las poses. En este país, en el que poetas y pintores son tan dados a las poses y los snobismos Burke es un aliento de originalidad y consecuencia consigo mismo y la idea del arte con que se forjó, en una tendencia un tanto anáquica.

Búfalo Azmilclero

Cuando el búfalo azmilclero se asusta

tensa su nariz afinando el viento

en delgadas fibras de noche,

sus patas enraízan

absorbiendo la obscuridad y la luz del suelo

arborizándose enorme,

sus cuernos se curvan

convirtiéndose en una espiral

que pasa por el núcleo ígneo hasta más allá del horizonte cósmico;

el viento mueve su pelambre añosos,

la frente se le esfuma en gamas de azul nocturno,

los ojos se le descargan en un rayoque calcina el frío en sus manos,

sus cejas son puertas abiertas a sí mismo.

Cuando el búfalo almizclero se asusta,

en el extremo de su mirada el grafito esgrafía,

escinde

el espacio

buscando.

Aún.

Está cansado.10.000.000 de años le pesan en la cornamenta,

petrificada como los líquenes de su pelambre.

Alguien que rasque su lomo de cargador de relojes de granito.

Cuando el búfalo almizclero se pone cursilas lágrimas se ocultan detrás de las puertas,

escribe poemas con el nombre de ellas, canta.

Está exhausto.

Solo miraba con asombro.

Ya no queda nada de su infanciasino territorio a sembrar

el basamento de la poesía.

Y un ariete para ingresar en lo genésico.…………………………………………..

Temporada Lluviosa

De esas cosas que no pueden evitarse. Esta tarde trabajaba en una cibercafé, y en medio de una tormenta eléctrica, perdí el trabajo que llevaba avanzado. Sí, lo perdí. Inevitablemente. Aunque lo estaba guardando en la computadora, ésta se apagó y al regresar la energía eléctrica no recuperó el archivo, pues en el ciber la configuración de reinicio borra todo cuanto había antes en ella. A pesar de que tenían batería, el rayo impactó tan fuertemente que las máquinas se apagaron. Es decir, sí tan sólo se hubiera tratado de un simple apagón, el respaldo de energía hubiera funcionado inmediatamente sin que se perdiera la información, sin embargo, fue el protector de picos el que apagó los equipos. Cosas de la vida. Lo peor de todo es que el dependiente me cobró el tiempo completo. El que no quiere caldo, dos tazas. Con esto del desempleo, o más bien del subempleo y la temporada lluviosa, las tormentas pueden resultar de doble impacto.

Boogie Nights

Boogie Nights es una película de 1997 escrita, dirigida y producida por Paul Thomas Anderson. Fue protagonizada por Mark Wahlberg, Burt Reynolds, Julianne Moore, William H. Macy, Don Cehadley, John C. Reily,Philip Seymour Hoffman y Heather Graham. La historia sigue a un joven que trata de entrar en el negocio del cine porno a finales de la década de los 70 en California, y al igual que otros personajes tiene que lidiar con los altibajos de la industria. Es muy posible que la historia contenga en gran medida la vida del actor John C. Holmes, estrella porno de los años setenta y ochentas. La Banda Sonora del Filme destaca temas de War (Spill the wine), KC and the Sunshine Band (Boogie shoes), Jungle Fever (The Chakachas), Your Sexy Thing (Hot Chocolat), Mamma Told me not to come (Three Dog Nights), God only Knows (The Beach Boys) y en general una selección excelente de temas. Dos de ellos, ambos muy buenos.

Three Dog Night

Un tema que me atrajo desde que lo escuché por primera vez, en una versión de Aimmee Mann, como parte del soundtrack de la película Magnolia, con la actuación de Tom Cruise y dirigida por Paul Anderson, fue ONE; original del grupo Three Dog Night. Esta es otra de las emblemáticas bandas del rock setentero. Sobre este grupo aparece la siguiente reseña en la página de Radio Dos, emisora costarricense de oldies. Tanto la versión original como el cover interpetado por Mann son excelente. La película, igualmente es de lo mejor filmado por Cruise.

Aunque el origen del nombre es lo que más le preguntan a los ex integrantes de la banda, es quizás una de las menos relevantes para un grupo que entre 1969 y 1970 tuvo la mayor cantidad de canciones en el Top 10, vendió discos como nadie y llenó todas sus presentaciones. El espectáculo de la banda era meramente presencial. De hecho la demanda por sus conciertos era tal que prácticamente inventaron la forma moderna de hacer giras. Aunque en Costa Rica no tienen el renombre de otras bandas como Queen, Rolling Stones o Led Zeppelin; Three Dog Night es probablemente una de las agrupaciones más importantes que produjo Estados Unidos durante los años setenta. Su influencia en la escena musical es innegable. 21 temas entre las 40 más populares, 11 en el Top 10, 3 número 1, 7 sencillos que vendieron más de un millón de copias, 12 discos de oro consecutivos por sus LPs. Para finales de 1975 habían vendido 50 millones de copias y hoy día pueden superar los 85 millones de copias. Lo que hacía que los discos se vendieran de tal forma era el hecho de que el grupo no tenía una voz que se pudiera llamar líder, eran varias. Esto provocaba un sonido de harmónicos, que aunque diferente al sonido California de los 60, producía el mismo efecto de alegría y fuerza en las grabaciones. Por otra parte el sonido pop rock, que gradualmente se convirtió en pop, se mezcló con temáticas propias de los hippies como "Joy to The World" y "Black or White". Otro ingrediente fue la habilidad de reconocer que ellos no eran compositores y que necesitaban hacer "cover" de compositores buenos. Finalmente la fórmula se completaba con la naturalidad y espontaneidad de quiénes disfrutaban lo que hacían.

(http://www.radiodos.com/paginas/archivo/artistas/three_dog_night.php)

Beach Boys...un poco más

Nunca ha sido de mis bandas favoritas, de hecho son pocas las canciones que me gustan verdaderamente. Sin embargo no cabe duda que fue una importantísima banda con una carga de creatividad que provocó incidencia.

Debby Boone -You Light up my Life-

Una de esas baladas imprescindibles. Una letra hermosísima y una voz verdaderamente privilegiada.

Debby Boone (22 de septiembre de 1956) cuyo verdadero nombre es Deborah Ann Boone es una cantante y actriz de teatro norteamericana.
Debby Boone nació en Hackensack, New Jersey. Hija del cantante e ícono de los cincuenta Pat Boone y Shirley Lee Foley Boone (Hija del cantante de country Red Foley). A los 14 años salía de gira con sus padres y tres hermanas - Cherry, Lindy y Laury. Llegaron dos veces a listas de Billboard con "When The Lovelight Starts Shining Through His Eyes" (No. 25) y "Hasta Manana" (No. 32).
Boone lanzó su primera canción como solista en 1977 llamada "You Light Up My Life". La canción fue el mayor éxito en los setenta en Billboard Hot 100 durando 10 semanas en el número 1, y también fue número 1 en listas de Adulto Contemporáneo y Número 4 en Country. Gracias a ella Debby ganó un Grammy a Mejor Nueva Artista y también recibió nominaciones por mejor Interprete Pop Femenina y por Grabación del Año. Tanto el álbum como el sencillo fueron certificados platino. La canción escrita y producida por Joe Brooks pertenecía a la película del mismo nombre y le mereció a Brooks un Oscar en 1978 por la composición de la canción.
Posteriormente al éxito de este sencillo, Debby Boone no pudo mantener el mismo nivel, su siguiente sencillo llamado "California" (también escrito y producido por Joe Brooks) apenas llegó al 50 y su segundo álbum llamado "Midstream" se quedó en el puesto 147 Pop. Boone lanzó entonces otro tema relacionado con una película, la canción "When You're Loved" de The Magic of Lassie. Esta canción fue nominada al Oscar por sus compositores, los hermanos Sherman y llegó al puesto 48 en listas. (http://es.wikipedia.org/wiki/Debby_Boone)

Norman Greenbaum -Spirits in the Sky-

Esta canción no alcanzó el número uno, una de esas que llegó al número dos. De 1972, esta melodía constituye otra de las cuales recopilaría en un disco, de esas que se podrían llamar imprescindibles. Me gusta demasiado. Un vídeo ilustrado por una enfermera retirada y fotógrafa de 54 años, con imágenes muy bellas, pero sin duda alguna la canción es insuperable. Hay una versión, de entre bastantes, que me llama la atención, es de un grupo británico de los ochentas que se llama Dr. & the Medics, con un estilo a lo Kiss en el vestuario y recordando un poco los días del glam rock. Lo incluimos también, como dato curioso.

Best-known for his 1970 hit "Spirit in the Sky," singer/songwriter Norman Greenbaum was born November 20, 1942, in Malden, MA. He began his musical career while a student at Boston University, playing area coffeehouses before relocating to the West Coast during the mid-'60s and forming a kind of psychedelic jug band dubbed Dr. West's Medicine Show and Junk Band. After issuing the 1966 single "The Eggplant That Ate Chicago," which fell just shy of reaching the Top 50, the group disbanded, and Greenbaum subsequently formed a series of short-lived acts before finally returning to his solo career in 1968. A year later he issued his debut LP, Spirit in the Sky, releasing several unsuccessful singles before reaching the Top Three with the smash title track, which sold some two million copies. It proved to be Greenbaum's only hit, however, as follow-ups like 1970's "Canned Ham" and the next year's "California Earthquake" tanked; after the release of 1972's Petaluma, he retreated from music to focus on his California dairy farm, but returned to show business during the mid-'80s in a managerial capacity, also promoting a number of concerts. ~ Jason Ankeny, All Music Guide.

Te Amo

Paul Ëluard (1895 - 1952)

Te amo por todas las mujeres que no he conocido
Te amo por todos los tiempos que no he vivido
Por el olor del mar inmenso y el olor del pan caliente.
Por la nieve que se funde por las primeras flores
Por los animales puros que el hombre no persigue
Te amo por amar
Te amo por todas las mujeres que no amo
Quién me refleja sino tú misma me veo tan poco
Sin ti no veo más que una planicie desierta
Entre antes y ahoraEstán todas estas muertes que he sorteado sobre paja
No he podido atravesar el muro de mi espejo
Tuve que aprender la vida como se olvida
Palabra por palabra
Te amo por tu sabiduría que no me pertenece
Te amo contra todo lo que no es más que ilusión
Por el corazón inmortal que no poseo
Crees ser la duda y no eres sino razón
Eres el sol que me sube a la cabeza
Cuando estoy seguro de mí.

Ritual Secreto

RITUAL SECRETO

(Orietta Lozano, Colombia)

Amante mío, estoy desnuda, más fresca que el agua azul
para tu noche de amor.
Cada extremo de mi boca,
cada esquina de mis miembros
se apresuran como ágiles peces
hacia tus tibias aguas.
Amante mío, yo deseo la mordedura de tus dientes
y me encamino temblorosa hacia cada uno de tus dedos,
me detengo a mirar tu cuerpo a través de oscura cerradura
e incontenible deseo se posa en mis húmedos senos.
Por tí se escapa la sequedad de mi boca,mi mirada de brújula perdida en tus rincones,
floto voluptuosa en tus profundas aguas
y me abro como flor nocturna a tu plácida noche.
Mi cuerpo, fiesta fértil y lasciva.
Poséeme solitaria, desnuda ante tu noche,
siémbrame semillas olorosas a sal.
Mírame desnuda
con la hermosa sospecha
que mi vientre será fértil a tu salada lluvia.
Mi caverna, tibia y silenciosa, guarida perfecta
de tu solitario cuerpo.
Mi boca es suave entre tus dientes,
mi lengua, pájaro que anida en tu boca.
Por mi carne fluye sudor de hierro
y me prendo como alga marina a tu confuso mar.
Soy la obra inconclusa con infinitas posibilidades para un final.
Me entrego fácil a tus brazos, con el misterioso encanto de un ritual.

Manu Chao -Me gustas tú-

Otro vídeo de Manu Chao....quizá el más sonado de sus temas.

Adriano Celentano -DJ y Prisencolinensinainciusol-

De los máximos pegues y las más sonadas canciones de los bailes de los 70 en Costa Rica, Adriano Celentano se lleva uno de los lugares más destacados. Su Himno del Amor, y la mezcla realizada por muchos disc jockeys de la época con su éxito Disk Jockey, fueron de los más solicitados en su momento. El Himno del Amor que aparece en su disco Nostal Rock de 1972, en realidad se llama "Prisencolinensinainciusol" y es un tema escrito en Esperanto. Esperanto es un intento de idiomatización internacional, procurado por un grupo de personas que deseaban crear una lengua universal que sustituyera al latín. En el vídeo a continuación aparece con Rafaella Carra, posiblemente en su show. Carra era una vedette muy popular en italia durante esa época. En Wikipedia aparece la siguiente reseña de este cantautor italiano.

Carrera artística
Adriano Celentano se inició en el mundo del espectáculo actuando como imitador y cómico en los cabarets de su ciudad natal. Su debut oficial como cantante tuvo lugar en 1957 en el transcurso del Primer Festival del Rock And Roll celebrado en el palacio de hielo de Milán.
Desde entonces, empezó a interpretar canciones inspiradas en géneros tan diversos como la música soul, el tango, los valses, etc. A partir del año 1965, empieza a dedicarse al cine, trabajando como director y como actor.
En los casi 40 años dedicados al espectáculo, Celentano ha cosechado numerosos éxitos musicales así como en el mundo del cine.
Desde Serafino (1968), en donde Celentano encarna a un joven napolitano, que cada vez que lo llamaban por su nombre, respondía siempre cantando las estrofas de "Mamma", una vieja tonada de dicho pueblo.
Otros datos
Celentano está casado con Claudia Mori, actríz italiana, y es padre de la actriz Rosalinda Celentano (conocida por su papel de Satanás en La Pasión de Cristo), Rosita Celentano y Giacomo Celentano.
Entre sus canciones destacan: "Azzurro", "Yupi Du", "Chi non lavora non fa l'amore" (Quien no trabaja, no hace el amor) (con la que participó junto a su esposa Claudia Mori en el Festival de la Canción de San Remo, y "Il ragazzo della Via Gluck" (El muchacho de la calle Gluck),"Io non so parlar d'amore" (Yo no sé hablar de amor), y su mayor éxito en Latinoamérica: Susana (Susanna, en italiano), el cual fue modificado 6 años después por Ricky Martin.
Otro éxito particular es el inpronunciable título "Prisencolinensinainciusol" (traducido en América como "La Canción del Amor") sencillo de 1972 contenido en su álbum "Nostal Rock" con una letra igualmente extraña, pero que alcanzó mucha popularidad en varios países por su ritmo rock hipnótico y cadencioso.

Manu Chao --- Julieta Venegas

Manu Chao es hijo del periodista Ramón Chao, gallego de Villalba (Lugo) y de madre vasca de Bilbao, hermano de Antoine Chao y primo de Santiago Casariego (Santi) con quienes formó Mano Negra. Su padre, pianista, vino a París por su carrera. Su madre emigró a Francia durante la dictadura de Francisco Franco. Manu y su hermano crecieron en Sèvres, al oeste de París.
A los 14 años tuvo su primer grupo, llamado Joint de Culasse, con su hermano Tonio del Borño y su primo Santi Cassariego. Más tarde llegaron los Hot Pants y Los Carayos, con los que se aproximaba ya mucho a la música festiva y la pachanga. Estos grupos llegaron a ser muy conocidos en París dentro de la música alternativa. En 1987, Manu, su hermano y su primo fundaron el grupo Mano Negra, que triunfó primero en Francia con el single "Mala vida" y después tuvieron giras por Sudamérica. Tras una larga temporada en el grupo (del 1987 al 1994), comienza su carrera en solitario.

Julieta Venegas Percevault (Long Beach, California, EE.UU.[1] - 24 de noviembre de 1970) es una compositora y cantante mexicana quien se crió y creció en Tijuana, Baja California, México. En los últimos años de su carrera musical ha logrado posicionarse como una de las cantautoras más destacadas dentro del pop latino. Ha sido ganadora tanto del Grammy como el Grammy Latino y a lo largo de su carrera ha vendido más de 5 millones y medio de copias.[2]

The Pandoras

The Pandoras were an all-female rock and roll band from Los Angeles, California from 1983–1991, who began in the hard '60s revival garage rock style and later adapted a more contemporary Sunset Boulevard, hard rock sound a la Poison and Mötley Crüe. They were originally associated with the Paisley Underground era in Hollywood's alternative rock scene, along with bands such as Redd Kross, The Three O' Clock, The Dream Syndicate, The Morlocks, and The Rain Parade. These bands shared an aesthetic heavily influenced by 1960s garage rock and psychedelia, and most (but not all) of the members tended to come from the west side and beach cities area of Los Angeles County and Orange County. Pierce, a resident of Chino, California, was a notable exception. Pierce had been a member of the Hollywood music scene as a young teenager. She idolized bands like The Runaways and Aerosmith and she once dated Steve Jones of the Sex Pistols on the Sex Pistols' first U.S. tour.
The Pandoras were formed when singer-guitarist Paula Pierce, a member of Action Now at the time, met singer-guitarist/bass player Deborah Mendoza aka. Mende/ Menday, at Chaffey College in 1983. Mendoza, an art major, answered an ad that Pierce, a graphic art major, had posted on the bulletin board in the cafeteria. The ad read, "Wanted, another female musician to jam with! Influenced by sixties garage punk." They got together and clicked, and started bringing their guitars to school jamming between classes.

Count Five - Psychotic Reaction

Un grupo paradigmático. Cinco adolescentes de entre dieciséis y dieciocho años criados en familias de clase media en un suburbio indistinguible de California que formaron una banda copiando sin disimulo a los pioneros del género. En dos ocasiones no se molestan en cambiar el título e incluyen dos versiones de The Who, My Generation y su hasta gran éxito, Psychotic Reaction, se sostiene en un plagio descarado de I’m a man de los Yardbirds, un grupo fundamental en el que en su primera época dejó canciones como For Your Love, A certain Girl, I Wish I Could donde está contenido todo el espíritu del garage. The Count Five fueron rechazados por mismos que habían rechazado a los Yardbirds, y aquellos que habían rechazado a los propios Yardbirds por ser una vil degeneración del blues, así podríamos seguir hasta las cavernas. Era una regresión, en efecto, parte del proceso que despojó al rock de todos los aditivos hasta llegar a su forma más cruda y elemental. Nunca hay invención pura sino reinvención y reinterpretación constante para trasmitir las mismas emociones primarias. Y las copias de The Count Five revivían, reviven aún, con una combinación arrolladora, impulsados por una extraña obsesión ferroviaria sus canciones salen en estampida con traqueteos de flanger rítmico y armónicas que suenan a silbato de locomotora. Así fue Psychotic Reaction un éxito tan grande que dio crédito para publicar un disco, pero dejó el listón tan alto que ninguno de sus singles posteriores pudo hacerle sombra. Eran sin embargo canciones espléndidas, Double-Dekker Bus, The World, Pretty Big Mouth, con letras de bochorno “You’re mine, you´re mine, and tonight we’re gonna be so fine“, “I met a pretty pretty woman with a pretty big mouth, I’m gonna love that woman for the rest of my life“, “Well you just walk down any street, if you don´t see one of us you’re sure to see a double decker bus“, la banalidad que hacía falta para sacudirse de encima la pretenciosidad del folk imperante en la época, y suculenta carnaza para mercaderes, vean en este vídeo qué playbacks desastrosos, qué inocencia, qué nerviosismo, qué no saber estar de maniquíes en medio del escaparate. Lo intentaron, actuaron en televisión, dieron giras, sacaron singles que aparecen en reediciones más recientes del disco, Teeny Bopper, Tenny Bopper, Contrast y fueron buenos para la historia pero insuficientes para mantener la fama entre la avalancha de one hit wonders. Se retiraron en 1967 para continuar sus estudios. Como buenos chicos.

(http://www.blogger.com/post-create.g?blogID=2860076106150986848)

Only Gods knows -The Beach Boys-

Entre las canciones que destacan de la banda sonora de la película Boogie Nights, está God Only Knows de los Beach Boys. Es una de mis favoritas, por su ritmo suave, y un tono bastante reflexivo.

Hablar de los Beach Boys es hablar de muchas cosas, pero principalmente es hablar de uno de los grupos mas importantes de la musica pop, con una categoría igualable a los Beatles y en algunas fases de su carrera incluso superior a la del genial cuarteto de Liverpool; pero también es hablar de algo todavía mas importante: Brian Wilson, uno de los mayores genios musicales de todos los tiempos. El germen de los Beach Boys se encuentra en los 3 hijos del matrimonio formado por Murray y Audree Wilson: Brian, Dennis y Carl; de un primo suyo: Mike Love; y la de un vecino amigo de la familia: Alan Jardine. En los 70, los problemas con las drogas de Brian son frecuentes, pero eso no impide que editen dos de los mejores trabajos de su carrera: Sunflower en 1970 y Surf's Up en 1971. Los demas LP's de la década: Carl and the Passions, Holland, 15 Big Ones, Love You, M.I.U Album... pese a no llegar al mejor nivel de la banda, mantenían un aceptable y buen nivel en algunas fases. Su producción en los 80 es bastante floja (solo destacaría el primer Lp en solitario de Brian, una maravilla); en 1983 Dennis Wilson muere ahogado en la costas californianas, y a mediados de los 90, el cáncer se lleva para siempre a Carl. Hoy en dia, Brian Wilson se dedica a sus proyectos en solitario, mientras que Mike Love con sus giras, se apropia de manera bastarda del nombre de los Beach Boys para seguir llenandose los bolsillos. Pero todo esto que no nos haga olvidar la buena musica que los "chicos de la playa" nos dejaron.

Sólo Dios sabe...

Una bonita película, con una excelente banda sonora en la que destaca una canción de Julieta Venegas en conjunto con el brasileño Otto y una canción de una banda denominada The Doves de origen inglés. Con los papeles estelares de Diego Luna y Alice Braga, y la dirección de Carlos Bolado.

Cuando Dolores y Damián se conocieron todo parecía un simple accidente, ella una brasileña residente en San Diego se va de fin de semana a Tijuana con un par de amigos, ahí su auto es asaltado, perdiendo su pasaporte, sin el cual no podrá volver a Estados Unidos y continuar con sus estudios de arte. En dicho asalto conoce a Damián un periodista proveniente de la Ciudad de México y al verse forzada a viajar a su embajada, decide hacerlo en compañía de Damián, iniciando así, un viaje en el que ninguno de los dos sabe hasta donde va a terminar. Dolores hasta aquel momento pensaba que todo se debía a una mala pasada del destino, pero Damián quizás creyó que era una señal que algún santo le enviaba, alguno de esos santos que adornaban su cuello, su auto y su casa… y tal vez por eso, decidió ocultar el pasaporte de Dolores, que se encontró tirado en el lugar del accidente.

the velvet undergound & nico - Femme Fatale

Velvet Underground, con la efímera presencia de la cantante alemana Nico. En efecto, no era un grupo sino la reunión de una banda con una cantante que exhalaba una vibración especial, y que causó fascinación, por una razón que no está muy clara, sobre la personalidad de Reed y el resto de la banda:

The Velvet Underground And Nico, publicado en enero del 67, era un álbum muy adelantado a su tiempo, complejo y difícil de asimilar, pero que hoy en día es reconocido como uno de los discos más cruciales e influyentes de la década. Con una temática lírica que gira en torno al sexo, las drogas y la marginalidad, el LP de debut de la banda de Reed y Cale alterna las baladas cantadas por Nico con furiosos temas proto-punk donde reina la distorsión guitarrera. Dentro de este segundo grupo se encuentra "Heroine", una épica oda a la droga favorita de Reed que se convertiría en la composición más recordada del genial cuarteto neoyorquino. El R&B de corte más clásico de "There She Goes Again", el agresivo garage de "Waiting For The Man" o la melódica "Sunday Morning" son otros puntos fuertes de este imprescindible trabajo que, previsiblemente, sería ignorado por el gran público, alcanzando la posición 171 en las listas, la más alta a la que llegaría nunca un LP de la Velvet. (http://www.los60.es/velvet.html)

Booker T. & the M.G.'s

Green Onions, que estaría en ese disco que grabaría uno y con el que podría perderse horas de horas. La versión de este vídeo está buenísima. 10........

Booker T. & the M.G.'s es una agrupación instrumental de música soul, muy popular entre los años 1960 y 1970.
Son comúnmente asociados con la compañía discográfica Stax Records y considerados parte del subgénero denominado Memphis soul. Fue uno de los primeros grupos de la música popular, en estar conformados por diferentes razas. La banda es mejor conocida por su éxito musical de 1962, la pieza de rock instrumental Green Onions.
Los integrantes originales del grupo fueron Booker T. Jones (órgano y piano), Steve Cropper (guitarra), Lewie Steinberg (bajo) y Al Jackson, Jr (batería). Donald "Duck" Dunn reemplazó a Steinberg al bajo en 1965 y desde entonces ha permanecido en la banda. Después de 1975 al morir Al Jackson Jr., los bateristas Willie Hall, Anton Fig, Steve Jordan y Steve Potts se integraron a la agrupación en diversas etapas. (Wikipedia)

En 1992, Booker T. & The M.G.'s fueron admitidos al Salón de la Fama del Rock, en el 2004 la revista Rolling Stone posicionó al grupo en el lugar número 93 de su lista 100 Greatest Artists of All Time y en el 2007 recibieron el Grammy Lifetime Achievement Award.
Lo de Booker T & the MG’s fue llegar y besar el cielo. En octubre de 1962 aparecía su primer sencillo: “Green Onions”/”Behave Yourself”. Editado primero en Volt e inmediatamente después en Stax, el disco arrasó en las listas de Rhythm & Blues, alcanzando la primera posición y manteniéndose ahí arriba durante 15 semanas. En las listas de música pop también funcionaría de fábula, con un excelente Top 3. Nadie se había podido resistir al pegadizo ritmo de esta atmosférica pieza nacida en una improvisación en el estudio. En este estándar del R&B están presentes todos los elementos que hicieron grandes a los MG’s: los económicos riffs de Cropper, el sincopado ritmo de Jackson y, sobre todo, la genial melodía de órgano de Booker T. (http://www.los60.es/mgs.html).

Evolución

Desde una perspectiva muy personal, la Banda costarricense Evolución es uno de los exponentes más connotados de la música rock en la actualidad. De hecho, de lo mejor. Con letras muy poéticas y una potentísima presencia escénica, este grupo en verdad lanza una propuesta muy interesante tanto a nivel musical como de contenido en sus creaciones. Este es uno de los temas, un poco añejo para muchos ya, que sin lugar a dudas permite un poco conocer acerca de la temática abordada por la banda. En el fondo, con toda su propuesta progresista y crítica lo cierto del caso es que sus integrantes componen un buen cuadro de yuppies a la costarricense. Nadie es pefecto. Sus espectáculos en vivo son muy seguidos y tiene un buen grupo de fans. Esclavo, es una muestra perfecta de la construcción simbólica y el manejo temático crítico que hace el grupo en sus composiciones, con sugestivos tonos de progressive, hard rock y punk, en un ritmo cadencioso y a momentos ácido. Me gusta mucho, como otras tantas de sus creaciones.

Monday Monday -Mamas and the Papas, The Blangles-

Este lunes que pasó fue de esos días que uno quisiera olvidar. De hecho, últimamente hay muchos días que deseo olvidar. Eso en verdad es una lástima, pues entonces de repente quisieras echar al olvido tantos días que tu vida se puede consumir en el olvido. Algo bueno ha de suceder, de eso estoy seguro. Aunque los días sean malos, desgastados, gastados en lo que parece un inútil trajín, siempre algo bueno ha de suceder. O al menos, esa es la fe. Dos canciones que tienen como tema el día lunes. Un poco disímiles una de otra. La primera de Papas and the Mamas.

The Mamas & the Papas (llamados The Mama's and the Papa's en su álbum debut) fueron un grupo vocal líder en la década de los 60s. Fueron uno de los estandartes del Folk Pop californiano y uno de los pocos grupos estadounidenses que mantuvieron su éxito durante la Invasión británica junto a The Beach Boys o The Byrds. El grupo hizo grabaciones y actuó desde 1965 a 1968; produciendo 5 álbumes y tuvieron 10 canciones en las carteleras musicales; aunque estuvieron un corto tiempo en la cima de la música, mantienen todavía fieles seguidores.

El otro es de un grupo de los ochenta, que se llamó The Bangles. Compuesto por mujeres exclusivamente, se le conocieron en Costa Rica básicamente cuatro éxitos: In your Room, una canción con un dejo de la psicodelia de los años sesenta a forma de remembranza, inclusive utilizan la cítara. Walking Like an Egyptian, típica canción del pop ochentero, pegajosa, rítmica, buena vibra. La balada Eternal Flame, de buen gusto, suave y entonada con la dulce voz de la cantante del grupo. Y este, cuyo vídeo también se incluye, Maniac Monday.

Las Bangles se formó en Los Ángeles, California en 1981, originalmente bajo el nombre de The Supersonic Bangs, que luego se acortó a The Bangs. Sin embargo, un grupo de Nueva Jersey también llamado The Bangs amenazó con demandarlas, por lo que cambiaron su nombre a The Bangles, por su similitud con "The Beatles", formación admirada por las mujeres. La formación original constaba de: Susanna Hoffs (guitarra, voz), Debbi Peterson (batería, voz, bajo),Vicki Peterson (guitarra, voz, bajo). Esta formación grabó un 45, "Getting out of Hand" b/w "Call on Me". Annette Zilinskas se convirtió en la bajista durante 1982, además de tocar armónica. Con Ziliniskas, grabaron un larga duración titulado The Bangles, en 1982. Sin embargo, Zilinskas dejó el grupo en 1983 y fue reemplazada por Michael Steele, que antes tocaba con The Runaways. El álbum debut de The Bangles con el sello Columbia, All Over The Place (del año 1984) logró captar las raíces pop del grupo, y captó la atención de Prince, quien escribió "Manic Monday", que llegó al #2 en Estados Unidos con segundo larga duración: Different light.

Citas tomadas de Wikipedia.

Julio Acuña Agüero

Julio Acuña Agüero nació en Costa Rica en el año 1973. Periodista, promotor cultural, poeta y viajero. Trabajó en el Centro de Cine y co-dirigió junto al poeta nicaragüense Alonso Mejía el diario La Nueva Prensa. Recibió los premios "Arturo Agüero", "Región Brunca" de la Universidad de Costa Rica y el premio de poesía de la Revista Nacional de Cultura. En el 2006 publicó el poemario Ontología menor con Ediciones Andrómeda. Su trabajo fue difundido en diversas publicaciones nacionales y extranjeras, y su poesía apareció en varias antologías. A su muerte, trágica y lamentablemente acaecida el 19 de junio del 2008, dejó a punto de publicación el poemario Museo de espejos.

No soy de los que endiosan a nadie. Ni lo haré con Julio. Ser humano por los cuatro costados. Eso fue. Un ser humano con todas las implicaciones que tal condición tiene. Una de las últimas veces que lo ví atravesaba las cercanías de la Iglesia de San Pedro, con Tania y su hijo Solaris. En medio de la crisis yo hacía de wachiman, es decir, cuidacarros. Siempre con ese atrevimiento de querer hablarle a uno lo más cerca que pudiera, al punto de acercar sus labios sobre los del interlocutor. Poeta, no podría poner en duda eso. Cineasta, no sé, pero sí enamorado de la imagen y del mensaje que podría eventualmente envolver y transmitir cualquier material audiovisual. Eso era un pendiente en él. Sin duda alguna ideas le sobraban.

Otra vez, hace algunos años, lo vi caminando cerca del parque España, posiblemente venía del Centro de Cine. Los saludos de rigor, un porro, sin saber cómo, nos encaminábamos juntos por el centro de San José trivializando, y en la Plaza de la Cultura estaba ella. Una amiga suya que generosamente me presentó. Sandra me dijo que se llamaba. Esa noche, en casa de Julio, allá en El Llano de Alajuelita, cerca de dónde murió asesinado en junio del 2008, hubo una fiesta sútil. Chicha, una frugal comida cocinada con leña, dos porros más entre cinco o seis personas. Jhonny, un amigo de éste, Tania, alguien que no recuerdo, Sandra y yo. Esa noche Sandra y yo hicimos el amor, en la sala de aquella casa mientras los demás dormían. Tras una larga sequía de besos y caricias de mi parte. Fue como un oasís aquella noche. De alguna manera, también le debo conocer a otra persona, a quien amé profundamente, y cuyo recuerdo de vez en cuando se desliza por mi piel como un aceite tibio, como un bálsamo vivificante. Él me la presentó también. Más que agraciada, era graciosa, y muy hermosa. Gracias Julio, por eso. Gracias por tu abrazo y por el estrechón de manos. Gracias por permitir las diferencias y los encuentros. Gracias por ser tan humano, y tan irremediablmente vos, para bien y para mal. Nos dejó un poemario: Ontología menor. Hasta hace poco se podía adquirir en la librería Clara Luna, de Pilar Rivas, sobre la Calle de la Amargura. Hay otro en prensa, he leído por ahí, muchos lo esperamos conocer pronto. en lo que a mi respecta, estoy seguro que en algún momento, surgirá otro de esos encuentros tan casuales.

DIVAGACIÓN

Ve la mirada
de las niñas
descubre tu última
vocación absoluta
no comprenderás
nada de los grandes
la psicología moderna
no te cubrirá-de nada sirve-
Súbete al árbol
ve con ellas
al naranjo en flor
la explosión
Reducirás tu edad
te abrazará su olor

ARRABAL

Llovió coléricamente

por el lado no cardinal

de la casa

Los tablones se mojaron

hasta potenciar un ensamble acuoso

con la tierra de los rincones tan humana

por sus restos.

¿Cuánto aprender del diluvio

y si nos será posible la espera ahogada?
Ya en otro cuento y su atavismo,

novísima esperanza dando tumbos.

ELLA ESCRIBE UNA CARTA DE AMOR

Aquella joven rebosa lozanía.
Bajo el árbol,
presuroso en sus manos
se desliza su bolígrafo
acariciando el papel.

Escribe una carta de amor.
Con ella llena de ternura
el aire bajo esa sombra
generosa desde la que
refulge la hoja de papel
con los colores del amor,
acogiendo sedienta
palabras escritas
con la savia viva
de la dicha incontenida.

Sedosas, seguras, sus
manos doblan el papel
con una sonrisa que brilla
tanto como sus ojos
y su piel, palpitantes
de esperanza y pasión.

Entre implacables mariposeos
desliza la hoja dobladita
en el interior de un celoso
mensajero engalanado para la ocasión,
cerrándolo con sus labios húmedos
y los suspiros de su alma
anegada de suave deseo,
la aprieta contra su pecho,
mientras se aclara el día gris.

¡Dichoso destinatario
del amor remitente!

2006

Elvis Presley -In The Guetto-

Endosiado por muchos, Elvis Presley es uno de esos íconos cuya figura prevalece en el tiempo. Aún, tras su muerte, su imagen y su música siguen generando millones de dólares. Pero, sin duda alguna el rock and roll no sería lo que llegó a ser sin la imagen de este gigante del ritmo, que junto a Bill Haley, Jerry Lee Lewis, Fat Domino, Little Richard y otros tantos de finales de los cincuentas y principios de los 60, conformaron el movimiento que revolucionaría no sólo la música sino también y sobre todo, la forma de aproximarse los miembros de una sociedad.

In the guetto es una canción de 1969, incluida in el albúm From Elvis in Memphis. En este vídeo canta acompañado de Lisa Marie. A Big Hunk O' Love fue grabada originalmente en 1958 en los estudios de la RCA en Nashville, Tenesee.
Nombre: Elvis Aaron Presley o Elvis Aron Presley, según su partida de nacimiento
Nacimiento: 8 de enero de 1935, Tupelo, Misisipi
Muerte: 16 de agosto de 1977, Memphis, Tennessee (42 años)
Ocupación(es) Músico, Compositor, Cantautor, Actor

Red Hot Chilli Peppers -Scar Tissue-

Sin duda alguna una de las agrupaciones que mas impacto ha tenido en los últimos veinte años. Red Hot Chilli Peppers, de origen californiano, ha logrado adentrarse en el gusto de miles de fanáticos del rock con un estilo muy propio y que resulta en una fusión de múltiples corrientes que van desde el grunge hasta la nota psicodélica. En lo personal, Scar Tissue y The Zepryr Song, simplemente me fascinan. También, por supuesto The Other Side. En Costa Rica se presentaron en el Estadio Eladio Rosabal Cordero, donde trece mil personas disfrutaron del chivo. Dato curioso, la gramilla del Rosabal Cordero resultó tan dañada que tuvieron que repararla, convirtiéndose a la postre en la mejor gramilla natural del país con un sistema de drenaje muy efectivo y moderno.

Wikipedia tiene amplia información sobre la banda,

Red Hot Chili Peppers es una banda de funk rock, formada en Los Angeles, California, en 1983 en 1998 siguieron con el movimiento post grunge. Durante la mayor parte de su carrera, la banda ha estado constituida por el cantante Anthony Kiedis, el guitarrista John Frusciante, el bajista Michael "Flea" Balzary, y el baterista Chad Smith. La banda ha compaginado en su estilo distintos géneros musicales que van desde el rock y el funk, hasta el rap, punk rock, el rock psicodélico y el hard rock.

Wallace Collecction

Una Balada que resultó todo un éxito en Costa Rica. La Banda Wallace Collection, de origen Belga se apuntó un cien en los bailes costarricenses con esta suave balada que se impregna con un dejo de psicodelia y la cual era de las favoritas para ejercitarse en un baile que se dio en llamar chantó y que se practicaba sobre todo en las discotecas de los 70 en la meseta central costarricense.

The Wallace Collection es una banda de origen belga que logró notoriedad en el mundo de la música pop hacia la segunda mitad de los años 60. Catalogados como una banda "One Hit Wonder" lograron colocar en las listas de popularidad a nivel mundial su recordado tema "Daydream"(Ensueño) en 1969.

Wikipedia hace la siguiente relación de la banda:

Fundada en1969 en Bruselas, Bélgica, por Freddy Niueland(batería) y Sylvain Vanholm (guitarra), pronto el duó se complementaría con el teclista Marc Hérouet y el bajista Christian Janssens. En la búsqueda de un nuevo sonido tuvieron la idea de añadirle un toque clásico a la música pop. Complementados por el destacado violinista Raymond Vincent(procedente de la Orquesta Nacional de Belgica) y el violonchelista Jaques Namotte la búsqueda de este nuevo sonido encontró al fin una vía. La mezcla Pop, Jazz y Música Clásica se convirtió en el sello de esta banda. El grupo de jóvenes deseosos de incursionar en el mundo musical buscaron un director que les condujese por la vía del éxito, la persona fue Jean Martin quien inmediatamente los relaciono con el ámbito disquero y del espectáculo. Provisto de algunas cintas conteniendo "demos" del grupo, Martin se lanzó a la búsqueda de una audición a EMI Records, para ese entonces la disquera era mundialmente famosa por acoger en su catálogo a The Bealtles, The Hollies, y otros grupos destacados del mundo del Pop. Al convencer al productor David Mackay de escuchar a Wallace Collection éste quedó impresionado del estilo novedoso de la banda, a la par de ello el grupo comenzó a participar en actuaciones que poco a poco les fueron ganando de cierta fama. La buena impresión lograda les valió ser considerada como una de las mejores bandas europeas después de The Beatles.

Yolanda Oreamuno -La Ruta de su Evasión-

Una de las obras que en defintiva entran dentro de mis favoritas es La Ruta de Su Evasión de Yolanda Oreamuno. Esta autora, incomprendida en su época, lleva una vida tumultuosa e intensa. Esta obra, ganadora de un premio de un festival en Guatemala en 1949, literariamente implica un experimento de realismo y novela psicológica, que sin duda alguna resultó muy acertado. Esboza Oreamuno el perfil de los personajes de una forma en la que se intuye la influencia de Joyce en el desarrollo de la narración.

Yolanda Oreamuno nació en San José en 1916. Huérfana de padre desde que tenía un año, cursó la segunda enseñanza en el Colegio Superior de Señoritas; siendo estudiante, con el ensayo ¿Qué hora es? ganó una Mención Honorífica en 1933. Trabajó varios años como oficinista. Cuando tenía 20 años se casó con el diplomático chileno Jorge Molina Wood, quién siempre la alentó a escribir; su esposo se suicidó un año más tarde y ella regresó a Costa Rica, donde nuevamente contrajo matrimonio con Oscar Barahona Streber, con quien tuvo un hijo en 1942.Su máxima obra "La ruta de su evasión" ganó el premio centroamericano de novela en 1948. Ese mismo año se hizo ciudadana guatemalteca. También vivió en países como México y Estados Unidos.En 1949, gravemente enferma, tuvo que permanecer cuatro meses recluida en un hospital de Washington. Falleció en México, en casa de la poetisa costarricense Eunice Odio. En 1961, por iniciativa de la entonces Primera Dama de Costa Rica, doña Olga Benedictis de Echandi, sus restos fueron sepultados en San José.

http://www.editorialcostarica.com/yolandaoreamuno.htm

Rare Earth I Just Want To Celebrate.

Otras de las muy favoritas en el género de rock clásico es I Just Want To Celebrate (Another Day I´m Living), de la Banda Rare Earth. Rare Earth es una banda de Rock estadounidense, radicada en Detroit, que se mantuvo activa entre 1967 y 1979.De ella en Wikipedia aparece la siguiente relación:

Rare Earth estaba vinculada con el sello de la Motown que tenía su mismo nombre. Una temprana versión de la banda, se formó en 1961, en la ciudad de Detroit, bajo el nombre de The Sunliners y, durante varios años, se movieron en el terreno del soul y blues. En 1967 se refundaron como Rare Earth y extendieron sus influencias al entonces naciente jazz rock (en la contraportada de su primer disco, se reivindicaban como cercanos a Blood, Sweat & Tears).[1]
La formación de Rare Earth en esta primera época, era la siguiente: Gil Bridges (vocalista, saxo, flauta y percusión), Rod Richards (guitarra y voz), John Persh (bajo y voz), Kenny James (órgano y piano) y Pete Rivera (batería y voz).
En 1970, se incorpora el percusionista Ed Guzman (congas) y, en 1971, Ray Monette sustituye a Richards en las guitarras y Mark Olson se hace cargo de los teclados, tras la marcha de James.
Nuevos cambios en 1975, incorporando un segundo saxofonista y vocalista, Jerry LaCroix, que estuvo también en Blood, Sweat & Tears, y haciéndose cargo del bajo y batería, Reggie McBride y Barry Eugene Frost, respectivamente. Más tarde, Rivera retornaría al grupo, en su segunda etapa, sustituyendo a Frost.
Después de su disolución, dos de los miembros fundadores Gil Bridges y Peter Rivera, continuaron en el mundo de la música manteniendo una agria disputa sobre los derechos del nombre de la banda. Hoy en dia Gil Bridges lidera una nueva banda con el nombre de Rare Earth, a la que durante un tiempo también estuvo ligado Ray Monette. Por su parte Peter Rivera, en compañía de una serie de músicos provenientes de otras antiguas bandas de rock, lidera una formación denominada The Clasics Rock All Stars.

The Doors -Love street-

Una de las más emblemáticas bandas de la época dorada del rock, esto es, de las décadas de los años 60 y 70 del siglo pasado, está constituida sin duda alguna por la banda californiana The Doors, cuyo personaje más representativo sin duda alguna es Jim Morrison, voz de la agrupación.

Comunmente agrupados bajo la onda psicodélica, uno de los temas que más me llamó la atención por su candidez fue una balada que desde la primera vez que la escuché me enamoró. Love Street. Incluida en el Album Waiting for the Sun de 1968

Sobre The Doors hay mucha tinta vertida, así que igualmente, será fácil la búsqueda de información. No deja de ser interesante conocer algo acerca de esta banda. Wikipedia reúne esta información básica:

En 1964, en la playa de Venice, Jim Morrison encontró a un viejo compañero de la Universidad de UCLA, Ray Manzarek, cuatro años mayor que él. Ahí mismo comenzaron una casual conversación, y Morrison le dio a leer a Manzarek la letra de Moonlight Drive, un poema que Jim acababa de escribir, entonces Ray le pidió a Jim que le cantara el tema, con el cual Manzarek quedó fascinado, y decidió unirse a su banda.
Ray Manzarek ya estaba en una banda, llamada Rick And The Ravens con su hermano Rick, mientras que Robby Krieger y John Densmore tocaban en The Psychedelic Rangers y conocían a Manzarek de unas clases de meditación. En agosto, Densmore se unió al grupo y con algunos miembros de los Ravens y un bajista no identificado, grabaron el 2 de septiembre una demo de 5 temas. Esta demo fue parcialmente pirateada, y esa fue la única manera de conseguirla hasta su aparición en el Box Set de The Doors, publicado en 1997.
Ese mismo mes, el grupo reclutó al talentoso Robby Krieger y la alineación final —Morrison, Manzarek, Krieger y Densmore— estaba completa. La banda tomó su nombre de un verso del poeta William Blake: "If the doors of perception were cleansed, every thing would appear to man as it is: infinite." (Si las puertas de la percepción fueran depuradas, todo aparecería ante el hombre tal cual es: infinito), que también daba título al libro de Aldous Huxley, The Doors of Perception.
The Doors se diferenciaba de muchos grupos de rock de la época, porque no usaban un bajo en concierto. En vez de esto, Manzarek tocaba las melodías del bajo con la mano izquierda en su novedoso bajo Fender Rhodes, una nueva versión del ya conocido piano Fender Rhodes, y las melodías del órgano con la mano derecha. Sin embargo, el grupo usó algunos bajistas en sus grabaciones de estudio, entre ellos Jerry Scheff, quien tocó luego en más de 1,100 conciertos para Elvis Presley (de 1969 hasta su muerte en 1977), así como Doug Lubahn, Harvey Brooks, Kerry Magness, Lonnie Mack y Ray Neapolitan.

Raymond Chandler -La Pequeña Hermana-

En el contexto del género policiaco, Raymond Chandler es quizá uno de los más destacados autores, y, también, uno de los que más ha llevado sus libros a la pantalla grande, teniendo protagonistas de la talla de Humphrey Bogart y Katherine Hepburn. Este, que es otro de los libros hallados en la Biblioteca Nacional, llva como título "La Pequeña Hermana" (1949) siendo un texto entretenido, con una construcción clásica del género de la novela negra, cuyo protagonista, el detective Marlowe, acepta un trabajo de una chica en apuros, que además, no puede pagar mucho. El detective, bohemio y enamoradizo, pronto descubre una maraña de situaciones tras la búsqueda del hermano de la clienta, colocándolo en un sinnúmero de situaciones apuradas y controvertidas. En fin, una historia clásica del Pulp estadounidense, y que cumple perfectamente con la función esencial de la literatura, cuál es entretener al lector, capturándolo con una relación de hechos que despierten el interés y la imaginación. Sobre este autor, la información en la red es vasta, por lo que es suficiente colocar su nombre en la barra de los buscadores para que se vierta una cantidad inmensa de datos sobre su vida.

Chandler nació el 22 de julio de 1888 en Chicago, pero creció y fue educado en
Inglaterra tras el divorcio de sus padres. En el Dulwich College de Londres
(1900-05), estudió asignaturas clásicas y modernas, y recibió sólidos
conocimientos en el arte de escribir. Parte de su educación transcurrió en
Francia y Alemania (1905-07) y se hizo súbdito británico en 1907.
Era un escritor lento, pasó cinco meses escribiendo su primer relato, Blackmailers Don't Shoot, que apareció en el número de Diciembre de 1933 de la revista Black Mask, un pulp magazine dedicado a difundir diversos relatos de acción de distintos géneros, y desde entonces no abandonó el género que le convertiría en un clásico. Comenzó imitando a Hammett pero la principal deferencia entre los dos es la oposición entre el estilo seco, distanciado y carente de emoción de Hammett y el
desesperado romanticismo que impregna los relatos de Chandler, que encuentra su
máxima expresión en el personaje de Philip Marlowe, el detective privado que
hará su aparición en la primera novela del escritor y lo acompañará hasta sus
últimos textos. y no se dio por vencido hasta superarlo con creces. Entre 1933 y 1939, produjo 19 relatos.

La Vida Sexual de Catherine Millet

En algunas visitas que realizo a la Biblioteca Nacional, y como por casualidad, he podido disfrutar de la lectura del libro de Catherine Millet, bajo el título de "La Vida Sexual de Catherine M". Curiosamente, lo que me llama más la atención de este libro, más que la descripción un tanto cruda de escenas sexuales y de una vida bastante activa y azarosa en este sentido por parte de la autora, son algunas de sus reflexiones en torno a la sexualidad y las diversas formas que adquiere en nuestras sociedades, o más bien, en las sociedades desarrolladas. Totalmente carnal y en muchas ocasiones sin una relación afectiva, la autora expone su trajín sexual acompañando el relato con reflexiones muchas veces igualmente descarnadas. No es erotismo, definitivamente, pero vale la pena su lectura. Un extracto del comentario que realiza José María Plaza:

No es una novela, aunque algunos pasajes parezcan pura ficción, ni una obra
erótica, ya que el texto no sugiere ninguna tensión sexual. Es una obra
confesional y, sobre todo, un libro muy valiente.Este es el mayor mérito de
Catherine Millet, directora de la revista de arte contemporáneo más prestigiosa
de Francia, una figura conocida y respetada en el mundo intelectual, se ha
decidido a confesar que ha practicado sexo en grupo y que sólo se acuerda de un
reducido número de hombres de los cientos con los que ha mantenido relaciones
sexuales. Todo ello tiene mucho valor, porque el mundo intelectual suele ser
bastante hipócrita, machista y pacato en el tema sexual, y aquí los
intelectuales tienen la mente igual de cerrada que cualquier otro mortal que no
se distinga por el oficio de pensar.

Consumación -Eunice Odio-

Eunice Odio - Reseña biográfica

Poeta costarricense nacida en San José en 1922. Desde muy temprana edad se inició en la lectura de los clásicos cultivando el ensayo, la narrativa y la poesía, con una gran riqueza de los recursos líricos, para dar vuelco a las inclinaciones tradicionales de los textos bíblicos y temas tradicionales, convirtiéndola en un punto de referencia importante en el panorama literario de Centroamérica.En 1947 ganó el Premio Centroamericano de Poesía 15 de Septiembre con su obra «Los Elementos Terrestres». Cansada del rechazo de una sociedad urbana tradicionalista, se trasladó a México, país donde residió hasta su muerte, en 1974. Del resto de su obra merecen destacarse «Zona en Territorio del Alba» en 1953, «El Tránsito de Fuego» en 1957, «El Rastro de la Mariposa» y «Los trabajos de la Catedral

POEMA TERCERO

CONSUMACIÓN

Tus brazos como

blancos animales nocturnos

afluyen donde mi alma suavemente golpea.

A mi lado,

como un piano de plata profunda

parpadea tu voz,

sencilla como el mar cuando está solo

y organiza naufragios de peces y de vino

para la próxima estación del agua.

Luego, mi amor bajo tu voz resbala.

Mi sexo como el mundo diluvia y tiene pájaros,

Y me estallan al pecho palomas y desnudos.

Y ya dentro de ti yo no puedo encontrarme,

cayendo en el camino de mi cuerpo.

Con sumergida y tierna

vocación de espesura,

Con derrumbado aliento

y forma última.

Tú me conduces a mi cuerpo,

y llego,

extiendo el vientre

y su humedad vastísima,

donde crecen benignos pesebres y azucenas

y un animal pequeño,

doliente y transitivo.

Don Eliécer

Don Eliécer es mi casero. Tiene 67 años, y sus días transcurren entre diligencias ajenas con lo que se gana algunos colones, charlas amenas y el trabajo en su pequeño taller de carpintería. Es mi amigo, y ha sido un buen compañero. Con él aprendí entre otras cosas la verdadera dimensión de las pulgadas, que es un 1/4, 1/8, 1/16. Cuando realiza otras funciones aparte de la carpintería no es tan diestro. Le fascina leer la revista Selecciones, que adquiere usadas y de las cuales extrae lo que el llama esquelas, es decir, los pequeños textos que vienen al final de los artículos o bien en las secciones como Así es la vida, Temas de Reflexión, Gajes del Oficio, o La Risa Remedio Infalible. Hay un chiste que nos agradó mucho a ambos y que dice más o menos así: Una pareja juega al golf en un campo urbanizado. La mujer lanza un tiro que entra por la ventana de una casa, quebrando el cristal. La pareja un tanto nerviosa se queda mirando hacia la planta donde se halla la ventana del cristal quebrado, por la que finalmente se asoma un hombre moreno, con un turbante y una sotana blanca, y les dice. -Soy un genio que ha estado atrapado en una botella. Me habeís liberado de 5000 años de cuativerio, pues la pelota ha quebrado esa botella. Por ello, en agradecimiento he de concederles tres deseos. !Pedid lo que queraís! -Bueno-dijo el hombre- yo desearía ser campeón mundial de gol. -Concedido- dice el recién aparecido haciendo un movimiento con su cabeza. -Y yo quisiera tener una gran fortuna, en una bella casa a la orilla del oceáno-solicita la mujer. -Concedido- dice el genio, haciendo el mismo gesto con su cabeza. -Y finalmente- dice el hombre- quisiéramos poder realizar un viaje alrededor del mundo a final del año. -Concedido- dice el genio. Pero bueno, ya que os he concedido tus deseos, ¿podría usted señor, ser tan gentil de permitirme pasar una sola noche con su esposa? Usted sabe, son cinco mil años de cautiverio y no hay quien me aguante. Sin duda alguna no habrá problema, pues yo desapareceré. La pareja se mira con inquietud y entre risas nerviosas. Deciden que el genio ha sido muy bueno con ellos, por lo que no ven inconveniente en que esto suceda. Y así, acceden. Al día siguiente, cuando despiertan el genio y la esposa del golfista, él le pregunta a ella: -¿Cuántos años tiene su marido señora?- -29 ¿Y usted? -28 `¿por qué? -No, no, por nada, es que no puedo evitar pensar que estén tan grandes ustedes y aún crean en genios.