Una gran ciudad. El aislamiento, el anonimato. La soledad. Laura vive en un apartamento en un edificio del Distrito Federal. Entabla una relación casi restringida al ámbito sexual, de carácter sadomasoquista con un hombre que conoce durante una salida nocturna planeada con tal propósito. Prácticamente autoesclavizada sexualmente a su amante Arturo, el deseo de y por el afecto no desaparece y posiblemente ante el temor de ser abandonada por su amante, le hace una solicitud bastante extraña.
Año Bisiestoes una película realizada con el apoyo del Instituto Mexicano de Cinematografía y bajo la responsabilidad de Machete Producciones, de argumento surrealista y postmoderno, un guión psicologista con actuaciones sobrias y sumamente competentes, un film poco común, interesante y realizado con buen ofico, una muestra clara de que para hacer buen cine no es necesario el despilfarro y la fanfarronería. Con las actuaciones de Mónica del Carmen en el papel de Laura y Gustavo Sánchez Parra como Arturo, es dirigida por Michael Rowe, el guión original del mismo Rowe y Lucía Cárdenas; producida por Edher Campos y Luis Salinas
Muchos recordarán aún la historia de una reina de belleza de un estado norteño mexicano, (Laura Zúñiga, Miss Sinaloa) ligada a los carteles del narcotráfico, cuyo arresto junto a los cabecillas de una banda escandalizó en mucho la sociedad mexicana, desde que en 2006 se inició una escalada de violencia que ha dejado alrededor de treinta y cinco mil muertos en las regiones limítrofes con Estados Unidos. Con una particular retórica cinematográfica y una dirección atípica el filme aborda la cotidianidad de los carteles, la violencia intrínseca así como su capacidad para permear cualquier estructura. Dirigida por Gerardo Naranjo, escrita por él y en colaboración con Mauricio Katz; Miss Bala (2011) cuenta con las actuaciones de Stephanie Sigman, Irene Azuela y Miguel Coutorier, es una cinta refrescante con un abordaje diferente respecto del trillado tema de las narcomafias, que tantas historias ha generado en el cine latinoamericano durante las dos últimas décadas. Vale la pena ver esta cinta de producción latinoamericana tan reciente (2011).
Laura Zúñiga, ex Miss Sinaloa, arrestada en diciembre del 2008, ligada a los cárteles de la droga.
La protagonista de la película asume el papel de Laura Guerrero
1975. El ambiente rock en Los Ángeles transitaba entre el glam y el punk. Joan Jett y Cherie Currie, dos adolescentes del Valle de San Fernando con el punk en las venas, se conocen y se convierten en el cuerpo y alma del influyente grupo femenino The Runaways. Floria Sigismondi lleva The Runaways a la gran pantalla en esta historia de un grupo de jóvenes extraordinarias, que se transforman de jóvenes rebeldes del sur de California en estrellas del rock del legendario grupo que allanó el camino a las futuras generaciones de mujeres en el mundo de la música. Bajo el férreo control e influencia del empresario del rock Kim Fowley, (quien trabajó con agrupaciones comoKiss y Alice Cooper) el grupo se convierte en un clamoroso éxito y en una familia de inadaptadas a su vez provenientes de hogares altamente disfuncionales. Con su imagen de chicas duras y su talento en bruto, el grupo no tarda en adquirir cierto renombre, al igual que sus dos miembros principales: Joan es el puro corazón rock and roll del grupo, mientras que Cherie, con su look estilo Bowie-Bardot, es la gatita sexy. Además, en esta agrupación estuvieron Lita Ford y Micky Steel (Bajista de The Bangles). Una excelente biopic de una de las bandas pioneras de rock femenino, considerada actualmente de culto. Con inicio en el que no cabe duda la inmersión del público en la vertiente femineidad del rock y que a la vez es una perspectiva femenina de la historia, la directora nos conduce por una historia bien hilvanada. Una película digna de verse, que desnuda los pormenores de un mundo que no deja de ser nunca sorprendente: el mundo del rock. y las subculturas que aglutina. Con una apariencia física muy similar a la de las verdaderas integrantes de la banda, esta película sobre peca de la sobreactuación del papel del productor Fowley, un tanto forzada. Por otro lado, al verdadero Fowley aún se le ve deambular por Sunset Street Boulevard, con el cabello teñido de verde, buscando nuevos talentos.
Trailer de la Película
La verdadera banda, interpretando Cherrie Bomb
Joan Jett y Cherrie Currie hablan sobre el film
Título Original: "The Runaways".
Género: Musical. País y Año: EE.UU. - 2010 Dirección: Floria Sigismondi. . Guión: Floria Sigismond
Reparto principal: Kristen Stewar, es Joan Jett, Dakota Fanning; como Cherrie Currie, con ellas Stella Maeve, Tatum O Neal, Scout Taylor-Compton, Alia Shawkat, Michael Shannon, Danielle Riley, Keough Brett CullenStella Maeve
Un caso interesante es esta banda de Hard Rock conformada en Boston en 1970. Lo interesante es que a pesar de su longevidad y relativa popularidad, tan sólo han logrado colocar un número uno efectivo en las listas del chart estadounidense. Su éxito de presentanción, "Dream on" se colocó en el sexto lugar de las listas en 1975. "I don´t want to miss a Thing" llegó al número 1 en 1998, y ese es el super hit de esta banda, quién además colocó en el número cuatro "Janie´s got a gun", en 1990 y en 1989 "Love in the Elevator" llegó al número 5. He ahí los más importantes hits de esta banda apodada como "Los chicos Malos de Boston" en una alusión paradójica a los Rolling Stones. Aerosmith cuyo sonido agresivamente rítmico tiene raíces en el blues contribuyó a establecer el sonido del hard rock y heavy metal de los 80 y 90. El guitarrista Joe Perry y el bajista Tom Hamilton, originalmente pertenecían a una banda llamada Jam Band, posteriormente se integraron el cantante Steven Tyler, el baterista Joey Kramer, y el guitarrista Ray Tabano, y formaron Aerosmith. En 1971, Tabano fue reemplazado por Brad Whitford, y fue en ese entonces que la banda comenzó a ser conocida en Boston. Rescatamos dos éxitos de esta banda, con un excelente sonido e íconos referenciales del hard rock, sobrevivientes del tiempo. "What It Takes" llegó al número 9 en 1990.
Asistí al Centro Cultural Mexicano, el día que se presentó el libro en San José, Costa Rica. Numeroso público colmó aquellas estancias, cierta incomodidad me hizo retirarme pronto. Hasta dos meses después fue que adquirir el libro en Libro de San Pedro de Montes de Oca y adquirir este libro, que no se crea, no es tan caro, sólo que para el modesto salario de vigilante, puede ser algo significativo. Sin duda alguna, Sergio Ramírez, abogado y oficioso escritor, presenta una novela cuyo mayor mérito es la temática seleccionada. Muchos años vivió Ramírez en Costa Rica, donde escuchó y conoció del personaje que inspiró este libro y el cual, he de confesar, terminé por devorar con ansía quijotesca. La exploración que hace Ramírez sobre la vida y obra de Yolanda Oreamuno, sobre cuya base perfila el escritor a su personaje central, Amanda Solano. Recrea Ramírez su investigación en la narración de tres informantes claves, mujeres todas, y en cuyos perfiles a los costarricenses no nos es difícil identificar de quienes se trata. La vida de Yolanda Oreamuno marcada por el sino de la rebeldía y la estigmatización, la exclusión y el olvido, la tristeza y la genialidad, resulta una veta inagotable para un escritor de tanto oficio como Ramírez. Así, la negación y la exclusión de la gran persona que fue Yolanda Oreamuno trasciende su muerte, una voz que se levanta desde lo más profundo de nuestra tierra señalándo a los costarricenses nuestra propia ignorancia, y todo el desprecio del que fue objeto en vida esta talentosa escritora de quien solamente se conservan algunos pocos relatos, otro tanto en artículos, y un sólo libro: La Ruta de su Evasión, suficiente para entender la capacidad creadora de esta autora, fallecida a los cuarenta años en México, donde fue enterrada en una fosa cuya única señal fue una placa numerada en una fosa cedida de caridad, debiendo esperar más de un lustro hasta que un grupo de sus compañeras del Colegio de Señoritas, incluyendo a la esposa del entonces presidente de la República, logran que se repatrien sus restos para darle sepultura en el Cementerio General de San José, lugar que escoge el autor para dar inicio a su novela, esbozando un personaje ya de por sí fascinante y sobre el cual el mismo autor asegura haber investigado a lo largo de más de tres décadas. Vierte Ramírez todo el dolor y las vivencias tan azarosas de una defensora de su libertad, de una mujer de vanguardia y el dolor de toda su soledad e incomprensión en un contexto que en muchos aspectos la atrapa a ella también. Nos lanza Ramírez en el rostro una vez más cómo los costarricenses adoramos ciertos personajes que sin dilación prontamente juzgamos y enviamos al patíbulo. La incapacidad de aceptar y vivir con la diferencia, con lo diferente y aceptar a su vez lo sobresaliente sin devaluarlo o descalificarlo. Del texto de Ramírez, sin duda alguna excelente, extraigo un par de citas sonsacadas de cartas escritas por el personaje, que sin duda alguna, revelan las aristas ásperas de los últimos años de su vida.
"Nunca durante los meses que en Washington estuve agonizando, ni cuando me compraron el ataúd, ni cuando me dieron dos veces los santos óleos, ni cuando me deshauciaron una y otra vez, tuve la sensación de muerte terrible que sufro a veces yo sola frente a cosas que no son la muerte"
"...yo he sentido la muerte muchas veces (no en el hospital) tampoco en los peligros. La he sentido en mis angustias inexplicables, en la sensación de asfixia y desenfoque visual que a veces me domina, en el dolor de la soledad, en el espanto del silencio, en la obscuridad..."
Desfilan por las páginas de esta novela la crema y nata de la sociedad costarricense de la primera mitad del siglo veinte, intelectuales y políticos como García Monge, Manuel Mora, Monseñor Sanabria, Ricardo Moreno Cañas, Calderón Guardia, Los Tinoco, José Figueres, y el espíritu de ebullición rebelde que se derramaba sobre la juventud de entonces en una Costa Rica patrialcal hasta el tuétano, en todas sus instancias políticas, jurídicas y morales, y, de esta Costa Rica, precisamente, de este tiempo es hija Yolanda Oreamuno, que sin embargo, se mantiene fiel a sí misma a lo largo de su vida, con sus consistencias, contradicciones y la herencia inconsciente y casi arquetípica de la sociedad de aquellos días.
El grupo de alumnas del Colegio de Señoritas que compartía un cúmulo de ideas de rebeldía, alentadas por madame De Mezzerville, no se manutvo igual cuando salimos de las aulas. Quinceañeras que a semejante edad veían con ardor el mundo, simpatizantes de los Rosacruces, del Partido Progresista del general Volio, del Partido Comunista, de las huelgas de los trabajadores bananeros, del movimiento antifacista, de la República Española, y, ya a aquella edad, rebeldes a las convenciones sociales que eran mantenidas como ley sagrada en sus hogares; pero todo visto desde el primsa del patio de recreos de un colegio respetable de señoritas hijas de familia, que se benefician de la instrucción pública gratuita. Luego fueron acomodándose a los frenos impuestos por su procedencia burguesa, a sus restricciones de clase, modos y costumbres a los que se moldaron. No romperían nunca su cordón umbilical, como lo hicieron Amanda y Edith riéndose con bonhomía de esas convenciones, zahiriendo a quienes las practicaban, y renunciando a ellas en sus propias vidas, hasta captarse el ostracismo y la vindicta. A las demás las ganó oel egoísmo propio de su clase, y las ganó el acomodo.
Quienes hemos conocido a cerca de la vida de Yolanda Oreamuno, sabemos a ciencia cierta su tránsito por ese su calvario muy personal, el cual nunca deja de sorporender, pues cómo la más bella y delicada hija de esta tierra ha debido atravesar tan áspero trecho hasta el fin de sus días. Hermosa como pocas, un ángel de luz (la Docta Simpatía) que no pudo ser decodificado por una sociedad que sigue siendo aldeana y conservadora. Para mi, no me cabe duda alguna, logra Ramírez una historia conmovedora, que nos traslada a la primera mitad del siglo veinte, a esa Costa Rica convulsa, progresista y con ínfulas de crecimiento y desarrollo, que a la postre se malogra deviniendo en la violenta, frívola, insensible, aparencial y excluyente que nos presenta el siglo XXI. Como el personaje en que es inspirada la novela me fascina desde hace más de dos décadas, no logro articular una buena crítica, tan sólo pienso que es un buen libro, un muy buen libro, aunque pareciera que prácticamente el autor haya transcrito tres entrevistas y hecho apenas, algunas correcciones. Leánlo por favor.
Rodolfo Córdoba me hizo llegar este libro de uno de los escritores de novela negra más célebre. Mis rincones oscuros es un escrito autobiográfico cuativante y en verdad llamativo. Autor de LA Confidential, escribe esta excelente obra verdaderamente dramática. "En 1958, cuando James Ellroy tenía deiz años, el cuerpo de su madre fue encontrado en la cuneta de una carretera, en un pequeño pueblo cerca de Los Angeles. Nunca se descubrió el asesino y el caso quedó cerrado. Ellroy se convirtió en escritor de novelas provocativas y lo acompañó el éxito, perolamemoria de la muerte de su madre no dejó de perseguirlo. Ahora, Ellroy da cuenta de la frustrada investigación policial; de la volátil trayectoria que tomó su vida a partir de aquel suceso tráfico; de la carrera de un antiguo sheriff de Homicidios del condado de Los Angeles, de la investigación que el autor y el propio sheriff emprendieron para identificar, años desupués, al asesino de su madre. El resultado es una historia arrebatadora sobre el viaje atrevido y revelador de James Ellroy a los rincones más oscuros de su memoria.
Pat Garret and Billy the Kid es un western de origen estadounidense dirigido por Sam Peckhinpah en 1973. Cuenta con las actuaciones de James Couburny Kris Kristofferson. Llama la atención que la banda sonora de esta película fue escrita por Bob Dylan, y en la misma se incluye el célebre tema "Tocando las puertas del cielo". Dylan también actúa en esta película haciendo el personaje "Alias". Un interesante argumento bien desarrollado, en el que Garret, quién había sido compañero de andanzas de Billy The Kid, se ve ahora como Sheriff, defendiendo los intereses del gobernador de su condado, y persiguiendo a muerte a su antiguo compañero. Una interesante película en la que sobresale su banda sonora, en su mayoría instrumental pero totalmente elaborada por el legendario músico norteamericano.
El chileno Roberto Ampuero es el autor de "Halcones de la Noche", interesante novela que tiene como protagonista al detective cubano-chileno Cayetano Brulé, "proletario de la investigación", a quien los avatares del destino le endonsan la investigación de un posible atentado político contra uno de los personajes más controvertidos e influyentes del siglo XX y lo que va del XXI, asumiendo una tarea impuesta por un inesperado e insospechado cliente. En una historia bien hilvanada en la que asoma un interesante conocimiento del acontecer geopolítico de las últimas tres décadas el autor, lleva a Brulé, en su cometido, a seguirle la pista al acechador por países del Cono Sur, América del Norte, Europa y Las Antillas. Entre boleros, mojitos y la grata acidez del vino chileno, el detective, incorregible enamorado, logra dar con el paradero del temible sicario, y se ve en la disyuntiva de evitar o no el atentado.
Ampuero es columnista, escritor y profesor universitario. Nacido en Chile en 1953, sufre el exilio tras el golpe militar que llevaría a Augusto Pinochet al poder. Naturalizado estadounidense, imparte lecciones de Escritura Creativa en universidades de ese país. Halcones de la Noche (Norma, Verticales de Bolsillo, Colombia, 2009) resultó uno de esos libros que duele terminar, una grata compañía, que cumple con bien y de forma constructiva la función lúdica y de entretención que ha de tener la literatura, máxime tratándose de un género subestimado cuál es el de la denominada Novela Negra. Un muy buen libro, que forma parte de una saga protagonizada por el mismo detective.
Una de las bandas hito en el rock latinoamericano. Se comienza a gesta en 1969 cuando Charly García y Nito Mestre se conocieron en la secundaria Instituto Social Militar Dr. Dámaso Centeno. Ambos tenían sus propios proyectos musicales: García To Walk Spanish y Mestre The Century Indignation. Sus instegrantes fueron: Charly García en piano y voces, Nito Mestre en la flauta y voz, Alberto Rodríguez en la batería, Alejandro Correa en el bajo (que luego fue reemplazado por Rolando Fortich), Juan Bellia en la guitarra y Carlos Piegari en guitarra y voces. Hacia 1975 la banda decide concluir su ciclo tras cinco larga duración y canciones que resultaron íconos en la música latinoamericana.
Recientemente me topé con esta película, realizada en el año 2002, tuvo excelentes críticas por parte de muchos sectores de la crítica. A mi, en lo particular me pareció una excelente historia, llena de ternura, imaginación, romance, y vivencias de personajes bien hilvanadas y articuladas a la cotidianidad del público, por lo que logra una comprensión excelente del lenguaje que utilizan el guionista y el director y, por ende, sus escenas logran comunicar cabalmente su mensaje. En la nota del cine independiente, es una recomendación que hago de todo corazón.
Un adolescente neoyorquino crece en un barrio marginal del este de la ciudad, enfrentándose a las restricciones que le impone su abuela, a una reciente novia, algo desequilibrada, y con el recuerdo de un hermano menor al que añora. Aclamada película de cine independiente que consiguió buenas críticas, además de sendos premios en los festivales de Deauville y San Sebastián.
Dirigida y escrita por Peter Sollet (1976, EEUU) y protagonizada por Victor Rasuk, Judy Marte, Melonie Diaz, Altagracia Guzmán, Silvestre Rasunk, Krystal Rodríguez y Kevin Rivera, ahonda en el relato de las vivencias e interrelaciones de una familia de origen latino en Nueva York. También conocido este filme como Raising Víctor Vargas, o Long Way to Home, es una pequeña obra maestra sumamente conmomedora, y la cual he de confesar se disfruta mejor en su idioma original con la modalidad de subtitulación al español. Duración: 88 minutos.
(1932-1963) Poetisa y novelista estadounidense. Empezó a escribir poesía de niña, estudió en la Universidad de Smith y, gracias a una beca Fulbright, en la Cambridge. Su primer libro, El coloso (1960), puso en evidencia la meticulosidad de su oficio y un estilo muy personal. Ariel (1965) está considerado como su mejor libro de poemas que, al igual que su poesía posterior publicada después de su suicidio, refleja un ensimismamiento y una obsesión por la muerte crecientes. Poemas completos, que ganó el Premio Pulitzer
en 1982, fue editado por su marido, el poeta británico Ted Hughes, en 1981. La campana de cristal (1963), novela que publicó con el seudónimo de Victoria Lewis, es el relato autobiográfico del colapso nervioso de una joven. Su correspondencia, Cartas a casa, 1950-1963, preparada por su madre y publicada en 1975, ayuda a comprender sus fuentes de inspiración y su desesperación. Otras obras, publicadas póstumamente, son Cruzando el agua (1971) y Arboles de invierno (1972), ambos libros de poesía, y Johnny Panic y la Biblia de sueños, libro de cuentos. En 1982 se publicaron sus Diarios.
Espejo
Soy plateado y exacto. No tengo preconceptos.
Cuanto veo, lo trago inmediatamente
Tal cual es, sin empañar por amor o desagrado
No soy cruel, sólo veraz:
Ojo de un pequeño dios, cuadrangular.
Casi todo el tiempo medito en la pared de enfrente.
Es rosada, con lunares. La he mirado tanto tiempo
Que creo que es parte de mi corazón. Pero fluctúa.
Las caras y la oscuridad nos separan una y otra vez.
Ahora soy un lago. una mujer se inclina sobre mi,
buscando en mi extensiójn lo que ella es en realidad.
Luego se vuelve hacia esas mentirosas, las bujías o la luna,
veo su espalda y la reflejo fielmente.
Me recompensa con lágrimas y agitando las manos.
Soy importante para ella. Que viene y se va.
Todas las mañanas su cara reemplaza la oscuridad.
En mi ella ahogó a una muchachita y en mi una vijea.
Se alza hacia ella día tras día, como un pez feroz
Límite
(Escrito la víspera de su suicidio)
La mujer alcanzó la perfección.
Su cuerpo
muerto muestra la sonrisa de realización,
la apariencia de una necesidad griega
fluye por los pergaminos de su toga,
sus pies
desnudos parecen decir,
hasta aquí hemos llegado, se acabó.
Los niños muertos, ovillados, blancas serpientes,
uno a cada pequeña jarra
de leche ahora vacía.
Ella los ha plegado
de nuevo hacia su cuerpo;
así los pétalos de una rosa cerrada,
cuando el jardín se envara
y los olores sangran de las dulces gargantas
profundas de la flor de la noche.
La luna no tiene por qué entristecerse,
mirando con fijeza desde su capucha de hueso.
Está acostumbrada a este tipo de cosas.
Sus negros crepitan y se arrastran.
PALABRAS
Hachas después de cuyos golpes
los sonidos del bosque
Y los ecos!
Ecos viajando
Lejos del centro como caballos.
La savia
Derramándose como lágrimas, como el
Agua al esforzarse
Por re establecer su espejo
Sobre la roca.
La que chorrea y cambia
Su calavera blanca,
Comida por las verdes cizañas.
Años después
Las encontré en el camino.
Palabras secas y sin jinetes
De infatigables y ligeros-cascos
CuandoDesde el fondo del estanque,
las fijas estrellasGobiernan una vida.
Cementerio en noviembre
La obstinada escena persiste: los árboles avarientos atesoran
las hojas del año que se va, reacios a llorar su muerte, a vestir el sayal
o a transformarse en dríades elegíacas, mientras la austera hierba
guarda para sí la dura esmeralda de su esencia,
por mucho que la pomposa mente desprecie
tal pobreza. Los gritos de los muertos.
No florecen nomeolvides entre las losas
que pavimentan este camposanto. Aquí es la honesta podredumbre
la que descose el corazón, monda el hueso hasta liberarlo
de la vena ficticia. Cuando un escueto esqueleto
viene a sumarse a lo real, todas las lenguas de los santos se deshacen
en silencio: las moscas no ven resucitar a nadie bajo el sol.
Observa, pues, observa bien este paisaje esencial
hasta que tus ojos urdan una visión deslumbrante en el viento:
sea cual sea la pérdida que destellan los condenados
espectros, aullando en sus sudarios por el páramo,
ensalza la jauría de la mente famélica
que puebla el cuarto desnudo, el aire vacío, desocupado
La voz de Sylvia Plath, recitando November Graveyard.
El iniverno de 1963 fue el peor en Ingalterra. El país estaba paralizado, el agua se congelaba enlas cañerías, y había cortes de energía y escasez de carbón. La desolación de ese inviernodejó muchas imágenes pero ninguna ha logrado resumirla más cabalmente que la madrugada del 11 de febrero, cuando Sylvia Plath entro en el cuarto de sus hijos, les dejó dos jarros de leche y dos panes con mantequilla, se encerró luego en la cocina, selló la puerta y ventana con toallas mojadas, abrió la llave de gas y puso la cabeza dentro del horno. La escena es tóxicamente célebre: los hijos de Plath tenían 1 y 2 años; ella acababa de cumplir 30 y estaba escribiendo como nunca antes en su vida; a las nueve de la mañana debía llegar al departamenteo una niñera recomendada por el psiquiatra de Plath (que había intentado convencerla para que se internara o, al menos, se dejara ayudar); los bomberos debieron echar abajo la puerta para salvar a los niños; el padre de las criaturas, el también poeta Ted Hughes, no aparecía por ningún lado.La escena pedía a gritos un culpable y Hughes daba el papel a la perfección: todo Londres sabía que la separación de la pareja se debía al borrascoso romance de Hughes con otra poeta, Assia Wevill.
El matrimonio de Hughes y Plath parecía bendecido por las musas: él era la gran promesa de la poesía inglesa, ella su equivalente norteamericano. Él venía de clase baja rural de Yorkshire, ella de la intelecutalidad judía de Boston. Él hablaba de las fuerzas oscuras de la naturaleza; ella de los campos de concentración de la mente.
Dos horas después de conocerse en Cambridge, ya habían tenido sexo y se habían dedicado un poema uno al otro. Bajo el influjo de esa fiebre se casaron. Pero, como dijo el gran Seamus Heaney, cuando dos poetas tan originales se unen, cada líena que escribe uno le da al otro la sensación de que le fue extraída de su cráneo. A cierto grado de intensidad creativa, que la musa le sea infiel a uno con su pareja debe de ser más insoportable que verla enredada con un ejército de amantes.
Plath logró encontrar su verdadera voz al separarse de Hughes, como quedó en evidencia cuando sus poemas finales se publicaron después de su muerte. Hughes fue el responsable de la edición. Lo acusaron de dejar afuera los poemas que más duros eran con él, aunque los que había dejado eran igualmente duros, y eran mejores poemas. Plath no era una novata en la ceremonia del suicidio. De hecho, creía que la seriedad de sus intentos (uno en EEUU, dos en Ingalterra) la autorizaban a hablar como lo hace en su célebre poema "Lady Lazarus"("Morir es un arte/yo lo hago excepcionalmente bien/se diría que tengo el don").
Rober Lowell, que prologó aquel libro póstumo y que también habría de suicidarse, dijo que esos poemas "juegan a la ruleta rusa con seis balas en el cargador". Pero entonces Assia Wevill hizo ella también La Gran Plath (hornllas, gas, todo) con el adicional de que se llevó al otro mundo a la hijita de dos años que había tenido con Hughes, y el veredicto quedó sellado para siempre.
Hughes se fue a vivir al campo con los dos hijos que le dió Plath. Dijo que su vida estaba terminada, que sólo sobrevivía póstumamemte (volvió a casarse es cierto, pero con una enfermera, signifique lo que signifique). En sus escasas apariciones públicas le gritaban asesino. Una feminista le dedicó una famosa diatriba "Yo te acuso, Ted Hughes...". La tumba de Plath era sistemáticamente vandalizada para borrarle el Hughes del "Sylvia Plath-Hughes" de la lápida.
Así fueron pasando los años has que, en 1998, poco antes de sumbuir al cáncer Hughes dejó listo un libro titulado Cartas de cumpleaños. Como el Ariel de Plath, también se publicó póstumo. Es el mejor libro de Hughes. Consiste enteramente en poemas dirigidos a Plath. Desde mediados de los 60´s, Hughes había empezado a escribirle cartas a su mujer muerta el día del cumpleaños. Eran poemas que bajaban solos, que no podía ni corregir y que le parecían tan privados que dejó que se fueran acumulando en el fondo de un cajón.
Después de décadas de obstinado silencio, aquel puñado de poemas ofrecía todo lo que Hughes tenía para revelar sobre Plath y él y Assia Wevil. (¿cuánto de tu muerte se debió a mis insanas decisiones?/¿y cuánto de la muerte de ella a mis insanas indecisiones?)
Los plathianos acusaron al finado de "falsear la verdad de los hechos desde la tumba". Hughes sólo se abstenía de hablar de aquella madrugada fatal de febrero de 1963. Recientemente se supo, y armó flor de revuelo, que dejó fuera de la versión final de Cartas de Cumpleaños un poema que iba a titular "Última Carta" , que comienza diciendo "Qué pasó aquella noche, tú última noche" y terminaba cuando una voz en el teléfono deposita en el oído de Hughes esas cuatro palabras como cuchillos "su esposa está muerta". En el poema, Plath quema en presencia de Hughes una nota suicida que le había enviado por correo dos días antes de materse (el correo inglés era tan eficaz que no le dio tiempo de cumplir su cometido: Hughes irrumpió antes en su departamento). En el poema Hughes pasa la noche en el piso de una mujer (que no era Assia Wevill, como siempre se supuso), mientras Plath baja una y otra vez al teléfono público de la esquina (en su departamente no tenía) intentando infructuosamente localizarlo. En el poema, Hughes entra ya de mañana en su casa de soltero, se acomoda frente a sus papeles, cuando el teléfono "despertó electrizado y una voz como un arma elegida especialmente soltó en mi oído esas cuatro heladas palabras: Su esposa está muerta". En el poema, como en el resto del libro, Hughes se dirige evidentemente a Plath, como un hombre que está por morir le habla a su esposa muerta.
Uno de los hijos de Plath y Hughes, Nicholas, se ahorcó en su casa de Alaska hace un año. Vivía solo, aislado del mundo. La hija, Frieda, sigue viva. Cuando se estrenó una infame biopic con Gwyneth Paltrow haciendo de Plath, publicó un breve poema que dice:
Ahora hay una película
para aquellos incapaces de imaginar solos
su cadáver, su cabeza en el horno
Y dicen que yo les debo sus últimas palabras
Por que algo hay que poner en boca
de ese monstruo que han creado.
Ya saben quién: Sylvia, la Muñeca Suicida.
Juan Forn. Tomado de "Ojo", San José, C.R., 18/02/2011-18/03/2011, p. 23.
The House of the Rising Sun (La casa del Sol naciente) es una de esas canciones que tienen muchas versiones. También llamada Rising Sun Blues, trata de la vida de una persona muy desafortunada y que vive en la ciudad de Nueva Orleans, Luisiana. El autor de esta canción no se puede precisar, y la misma puede ser interpretada desde una perspectiva masculina o femenina. The Animals, con la voz de Eric Burdon, logró ubicar en el número uno de las listas estadounidenses y británicas su versión de esta canción en el año de 1964. Una versión anterior en la voz de la estadounidense Joan Baez también sobresalió considerablemente durante los años de 1959 y 1960. La lista de las 500 mejores canciones de la Billboard la ubica en el puesto 122.
De acuerdo a wikipedia, la versión más antigua que se conoce data de 1934, "fue hecha por Clarence Ashley y Gwen Foster en 1934. Ashley había aprendido la canción de su abuelo. Varios lugares en Nueva Orleans, Louisiana han sido propuestos como inspiradores de la canción, pero sólo dos parecen contar con bases históricas relacionadas al nombre "Rising Sun"; ambas figuran en antiguos directorios de la ciudad. El primero es un pequeño hotel ubicado en la Conti Street en el French Quarter en la década de 1820. El segundo es un lugar alquilado para bailes y eventos llamado "Rising Sun Hall" a finales del siglo XIX ubicado frente al río en el vecindario de Carrollton. A veces se utiliza, en la actualidad, la expresión "House Of The Rising Sun" como un eufemismo de prostíbulo, pero hasta la fecha, no se ha podido establecer la relación ni descubrir la casa que diera origen a la canción. Otros la vinculan a una casa de juego. No se han documentado vínculos con el juego o la prostitución en estos locales, ninguno de los cuales existe ya. Una guía de Nueva Orleans, sin embargo, asegura que la verdadera House of the Rising Sun estaba en la calle St. Louis St. 826-830 entre 1862 y 1874 y que fue conocida así por el nombre de la mujer que regentaba el local, una tal Marianne Le Soleil Levant, cuyo apellido francés traducido al inglés es "The Rising Sun" (el sol naciente, el amanecer). Otra teoría es la del folclorista americano Alan Lomax, autor del libro Our Singing Country (1941), quien planteó que la melodía era de origen inglés y que la letra fue escrita por dos americanos de Kentucky, Georgia Turner y Bert Martin."
Existen también bastantes covers en español entre los que sobresalen incluso uno de los costarricenses Manú. En general es una de las melodías que más versiones ha generado y se ha vuelto un ícono importante.
Acabo de concluir la lectura de un libro de este autor de 25 best sellers, y a quien se le ubica en el ámbito de la literatura popular. El libro que he concluido se llama "Avenida del Parque 79", escrito en 1955,. En una primera aproximación me parece su estilo conjuga de forma muy particular las técnicas de la novela rosa con otros géneros un tanto más serios, como el realismo crítico y social, así como en este caso específico, la nota policiaca. En una historia de abuso sexual, amores desencantados, policías y mafiosos, con un final bastante original que hace mayor el mérito al sencillo genio de este escritor estadounidense, logra construir una historia bastante particular. Francis Kane o Harold Rubin, más conocido por su pseudónimo Harold Robbins nació el 21 de mayo de 1916 en Nueva York, y falleció el 14 de octubre de 1997 en la Riviera Francesa. Un hombre totalmente del siglo XX, pasó su infancia en un orfanato. Educado en el Instituto George Wahignton, ejerció muy diversos oficios al concluir ahí. Respecto a su origen como escritor en wikipedia aparece la siguiente anécdota: "Su primer libro, No amaras a un extraño (1948), estaba basado en su propia vida en el orfanato y en las calles de Nueva York y creó gran polémica y controversia por sus gráficas explicaciones sobre la sexualidad. Lo escribió para ganar una apuesta de 100 dólares con un directivo de Universal Pictures y demostrarle que era capaz de escribir un guión más interesante que lo que se hacía en ese momento en la meca del cine. Resultó ser un best-seller de gran tirada al que le siguieron más de 22, muchos de los cuales fueron llevados al cine con el correspondiente éxito taquillero." Traducido a 32 lenguas, vendió más de 750 millones de ejemplares de sus libros. Entre sus obras destaca la adaptación protagonizada por Elvis Presley en King Creole, según la crítica, la mejor película del Rey de Rock and Roll. La lectura de la obra de Robbins cautiva, aunque sus temas actualmente pueden parecer trillados, lo cierto del caso es que para el momento y el contexto en que los escribe resultan una novedad tanto por el lenguaje explícito como por el nivel de imaginería que despierta en el lector al ser pensadas para ser llevadas a la gran pantalla. Ese es, precisamente otro de sus aportes en cuánto guionista de obras significativas dentro del séptimo arte, aunque muchos las consideren relativamente poco trascendentales, lo cierto del caso es que Harold Robbins logró su propia estrella en el paseo de la fama de Hollywood.
Formada Los Angeles, California, durante 1971, Una probadita de Miel (A Taste of Honey) logra un gran éxito en 1978, para hacerse acreedor en 1979 del Grammy a la Mejor Banda del Año. Formada por Janice-Marie Johnson (voz, co-autora e intérprete del bajo), Carlita Dorhan (voz, guitarra), Perry Kibble (teclados, co-productor, co-autor) y Donald Ray Johnson (percusión). Johnson y Kibble, amigos desde hacía ya bastante son los que podríamos decir, miembros originales de la banda, quienes tras probar muchísimos bateristas finalmente se quedan con Johnson, para luego sustituir a Carlita Dorhan por Hazel Payne hacia 1976. Una de las mejores canciones de la era del Disco es Boogie Oogie Oogie escalando el número uno de las listas norteamericanas en 1978 tanto en la de Pop, R&B, Club Play y Disco Singles. Resalta la capacidad interpretativa de sus integrantes, una sensible y excelente participación del bajo, una guitarra agresiva y bien entonada con sólos llamativos y perfectamente acopladas con la percusión y los imaginativos y delirantes sonidos del teclado que definitivamente dan un esplendoroso marco a la voz principal y los coros, de sonido, a cargo sobre todo de las voces femeninas. En cuanto al género se refiere, presentan la particularidad de tener como ejecutantes del bajo y la guitarra a las dos mujeres de la banda quienes lo hacen de manera excelente y que para el género y la época resulta toda una innovación escénica en cuánto al front se refiere.
